Eran 70 fotografías inocuas. 70 retratos de vecinos del barrio del Cabanyal de Valencia pegados en un muro blanco. No había nada escrito, ni una sola palabra, sólo personas que miraban fijamente a un futuro incierto.

32 horas después de ser pegadas fueron arrancadas. Un equipo de limpieza, escoltado por la Policía Local, borró esta muestra de arte urbano arañando el papel con punzones y eliminando las últimas resistencias con agua a presión. No hubo explicaciones. Una vez cumplida esta limpieza, trabajadores y agentes abandonaron el barrio.

El retrato del Cabanyal es el de un barrio marinero de Valencia que lleva 17 años luchando contra el Ayuntamiento gobernado por el Partido Popular. El consistorio presentó un Plan Urbanístico que pretendía dejar la huella del mandato de la alcaldesa de Valencia, Rita Barberá con  la prolongación de la avenida de Blasco Ibáñez hasta el mar. Una ampliación que atraviesa las entrañas de este barrio marinero y demolería 1.600 viviendas.  

A lo largo de estos años, los vecinos han defendido la inviolabilidad del barrio en los tribunales y a golpe de acciones artísticas (muestras de teatro, visitas guiadas, conciertos, conferencias etc.).

El arte de la resistencia  

La última de estas acciones era la participación en el proyecto “Inside Out Project” del artista francés JR. Un fotógrafo que en el año 2011 obtuvo el premio TED, obtenido así mismo por importantes figuras internacionales como Bono, vocalista de la banda U2 o Bill Clinton.

El “Inside Out Project” es una acción artística que se ha realizado en más de 120 países de todo el mundo. Consiste en sacar a la luz una situación de injusticia o indignidad a base de realizar retratos de sus protagonistas y exponerlos en fachadas o espacios visibles, contando con todos los permisos legales para llevarla a cabo.

Los fotógrafos Jorge López y Rosi Moreno presentaron un proyecto a JR sobre el conflicto que se vivía al barrio del Cabanyal. Éste fue aprobado y los retratos fueron finalmente impresos en el taller de Nueva York de JR y enviados a Valencia.

Censura sin autoría

Jorge López había titulado esta serie de retratos realizados durante dos años “El Clot. Lives from de hole”. Los 70 pósters fueron pegados en el muro del histórico edificio de “La Casa dels Bous”, previo permiso por escrito de los dueños de la fachada, La Marina Auxiliante, el pasado 30 de abril. Dos días más tarde fueron arrancados ante su mirada incrédula.

La Asociación de Vecinos del Cabanyal-Canyamelar ha calificado este hecho como un “acto vandálico institucional”. Por su parte, el Ayuntamiento de Valencia ha negado cualquier intento de “censura” y ha afirmado desconocer incluso la existencia de dicha intervención artística. 24 horas después de la destrucción de la misma, la alcaldesa de la ciudad, Rita Barberá, cumplía con una visita electoral al cercano Paseo Marítimo.

Censura en El Cabanyal / Censorship in El Cabanyal / Vídeo-reportaje de Sergi Tarín López

Contra el arte, más arte

Sin embargo, es difícil silenciar al arte. Una semana después de la destrucción de la obra del fotógrafo Jorge López, su compañera, Rosi Moreno ha recuperado el proyecto pegando en distintos muros del barrio otros  23 retratos que no habían sido expuestos todavía.

Las fotografías están ubicadas en 7 localizaciones diferentes del Cabanyal con el permiso previo de los propietarios de las fachadas dónde cuelgan. El título elegido para esta nueva muestra es “Stop. We are here”, un grito de auxilio que lanzan los vecinos ante la posible demolición de sus casas.

“La amenaza con la que vivimos los vecinos del Cabanyal es agotadora. Vivir en un territorio medio destruido, vivir en constante lucha por salvar el lugar donde has elegido vivir, es agotador. Durante estos 17 años las personas han envejecido, han crecido y han nacido otras. Pero al final, son 17 años de nuestras vidas en constante espera”, afirma Rosi Moreno.

Para esta fotógrafa “la destrucción de este barrio, no significa sólo acabar con las casas,  en ellas hay personas, una manera de vivir. Personas que quieren vivir tranquilas. Para el proyecto pedí a los modelos un gesto, un gesto que significara “stop”, esperanza, buen rollo. Pero sobre todo entereza y valentía, que es al fin y al cabo lo que nos ha hecho resistir durante todo este tiempo”.

La belleza de la que se habla en este documental no tiene nada que ver con la apariencia, es una belleza vinculada al amor, el amor a uno mismo y el amor que desprende este trabajo cinematográfico realizado con absoluto respeto a los protagonistas y abriendo interrogantes en el espectador con suma delicadeza visual.

El documental “Five Day to Dance” de Rafa Molés y Pepe Andreu es testigo del trabajo que realizan cada semana dos reconocidos bailarines, el holandés Wilfried Van Poppel y la donostiarra Amaya Lubeigt. Este matrimonio está recorriendo en estos momentos distintos institutos de Alemania -ellos viven en Bremen- y de Europa, como el colegio de San Sebastián dónde grabaron parte del documental, con un proyecto sorprendente: realizar, en una semana escolar, una coreografía de danza teatro con alumnos, que ha de ser representada el último día.

¿Qué es educar realmente?

La propuesta ya genera un debate en la comunidad educativa donde se plantea: ¿se pueden “perder” 5 días de clase con los apremiantes programas de estudios actuales?, ¿qué es la verdadera educación: esta experiencia a través del arte o el avance en los temas para el examen?, ¿pueden cambiar en 5 días las actitudes de estos alumnos?

Wilfried y Amaya se presentan cada lunes delante de una clase diferente y siempre lo hacen sin prejuicios. Miran a esos jóvenes por primera vez y les dicen: “en esta sociedad te dicen: tú tienes valor cuando consigues cosas. Y no, nosotros estamos diciendo tú tienes valor por ser quién eres”. Es decisión de los adolescentes si se suben al tren o se quedan apeados en la estación.

Las reacciones, sea cual sea el país dónde se hallen, suelen ser muy similares: hay vergüenza, miedo a los desconocido, pánico al fracaso, conflictos arraigados entre los compañeros de clase, chicos que les da pudor bailar, chicas que no quieren mostrar su cuerpo, compañeros que son rechazados por el resto, alumnos que no se atreven a desarrollar todo su potencial por miedo a las burlas. Sin embargo, el arte, en cualquiera de sus formas, tiene la inmensa virtud de conseguir en ocasiones lo imposible y que “quienes bailen juntos, sean capaces de convivir juntos”.

Empiezan caminando y acaban volando

En esos 5 días -habría que ver el efecto que puede tener la danza o cualquier forma de arte cuando se convierte en asignatura- la pareja de bailarines tiene que lograr que los estudiantes pierdan su miedo al baile, que vayan cayendo prejuicios, estereotipos, que se rompan las barreras entre ellos, que estalle el cristal que les separa del exterior. En los primeros minutos, los protagonistas apenas se atreven a caminar libremente por el gimnasio de su escuela y se trata de que acaben volando.

En este proceso de aprendizaje se habla de educación, de belleza, de la fuerza del arte, de la lucha de algunos profesores por romper las barreras del sistema y del tremendo sufrimiento que se vive a esas edades que es ignorado por los adultos, algo que impresionó seriamente al director de “Five Days to Dance”, Rafa Molés y que ha sabido trasmitir sin dramatismos en este trabajo.

La belleza de ser quién eres

El valor de este trabajo- realizado mayoritariamente por ex-trabajadores de la clausurada televisión autonómica valenciana TVV-Canal 9- radica en la variedad de cuestiones que aborda el documental y en la belleza con la que consiguen retratar esta travesía. En esto, la realización de Pepe Andreu y la dirección de fotografía del cámara José Luis González han sido sencillamente maravillosas.

Adereza perfectamente la obra la conmovedora banda sonora del grupo de Castellón “Monte Fuji” con la creactividad de Joan Valent y el magnetismo inigualable de Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt, quienes con su sencillez, su amor y su mirada pura consiguen que algunos chicos y chicas se atrevan a ser quienes son. Como por obra de la alquimia, aquellos alumnos sigilosos, que prefieren pasar desapercibidos, aprovechan el pasillo que se les abre con la danza y empiezan a hacerse visibles y a llenar el espacio con su presencia dejando estupefactos a los profesores que llevan meses observándolos en las aulas.

Decía su director, Rafa Molés, en el estreno de la película en Valencia, que esa mirada primigenia, sin juicio, era la que deberíamos aprender todos a la hora de situarnos frente a otro ser humano y de sus efectos da buena muestra este documental.

Para Molés, sería importante que este documental animara a más gente -hay más de la que pudiéramos imaginar- a contribuir a esa transformación del entorno con cualquier tipo de iniciativa que pudiera contrarrestar los efectos despiadados de un sistema en que cada vez hay más gente vulnerable e infeliz. Una teoría que se complementa en el consejo que el coreógrafo, Wilfried Van Poppel, da a sus alumnos: “Cuando dais algo bello, recibís algo bello”.

9 candidaturas a los Premios Goya

“Five Days to Dance” es candidata a 9 categorías dentro de los Premios Goya de este año (mejor documental, largometraje, montaje, director novel, fotografía, música, guión…). Así como ha sido seleccionado para participar en los DOCS Barcelona (2014), Festival de San Sebastián (2014), Docs Barcelona + Medellín (2014, Colombia) y Docs DF (México).

El documental ha sido realizado por la productora SUICA Films en coproducción con la productora REC Grabaketa Estudioa. Los productores han sido Natalia Maestro y José Luis Rubio, bajo la dirección de Patricia Velert. El sonido directo ha corrido a cargo de Koldo Corella y José Ángel Azpillaga.

El proyecto no ha contado con ayuda institucional de ningún tipo, salvo las aportaciones de 119 personas voluntariosas a través del crowfunding. A pesar de que el sector audiovisual en la Comunitat Valenciana ha quedado prácticamente desmantelado al cerrar la televisión pública, los autores de “Five Days to Dance” pretenden que sea un aliciente para los demás compañeros que atraviesan momentos de zozobra e incertidumbre.

Para poder ver esta recomendable película se pude seguir a través de la página web de la productora valenciana SUICA films (www.suicafilms.com) las proyecciones que se van realizando en distintas salas de España y del mundo. Resulta significativo comprobar las escasas posibilidades de proyección que hay en su propia tierra.

Sin duda, “Five Days to Dance” debería ser de obligado visionado en cualquier instituto y colegio. También resulta muy recomendable para todos aquellos que creen en el arte, en la trascendencia de la educación y, en general, para todos aquellos que se preguntan qué clase de mundo estamos construyendo.

Five days to dance / Trailer oficial from SUICAfilms on Vimeo.

Sergi Tarín ha vivido casi toda su vida en el barrio de Orriols de Valencia, a pocos kilómetros del mar y del Cabanyal. Pero decidió participar plenamente en la lucha en que estaba inmerso ese barrio marinero y en el año 2010 se mudó a uno de los 600 edificios que iban a ser demolidos según los planes del Ayuntamiento de Valencia.

En su documental “Abril al Cabanyal, crònica d’una resistència”, estrenado el 30 de octubre en el corazón del barrio,  retrata la lucha de estos últimos 16 años de parte de los vecinos de este barrio marinero y del colectivo “Salvem el Cabanyal” como ejemplo de que “el poder de la razón y la convicción de estar defendiendo las casas frente a la injusticia”. Los vecinos “resistentes” se reúnen desde 1998 todos los miércoles y que “además de ser unos activistas son unos vecinos que se apoyan mútuamente, dentro y fuera de la plataforma”.

Para quien no conozca este conflicto, hay que recordar que todo empieza el año 1998, cuando el Ayuntamiento de Valencia, en manos del Partido Popular, propone un primer Plan Especial de Reforma Interior que queda aprobado por la Generalitat Valenciana el 24 de enero del 2001 pese a la oposición de parte de los vecinos. El plan ha sido modificado con el paso de los años pero básicamente plantea abrir una avenida que comunique en línea recta el centro de Valencia con la playa. Esta rectitud arrasa el corazón de este barrio marinero cuyo ritmo cotidiano transcurría alejado de los avatares de la ciudad hasta que, en plena época de especulación urbanística, empieza a ser mirado bajo los ojos de la codicia.

A partir de ahí, los afectados, física y moralmente (personas que no son del Cabanyal pero que sienten la defensa de este barrio como una parte irrenunciable de la esencia de la ciudad), empiezan a organizarse en la plataforma “Salvem el Cabanyal” para que una nueva avenida no aplaste la trama histórica y peculiar de este barrio declarado Bien de Interés Cultural (1993).

El documental del periodista Sergi Tarín trata de esclarecer el laberinto político y jurídico en que se enzarzan el Ayuntamiento y los vecinos en estos años de resistencia frente a la legalidad que impone el poder político. Tarín hace especial hincapié en la orden ministerial  del 29 de diciembre del 2009 en que el Ministerio de Cultura, en la época de José Luis Rodríguez Zapatero y Ángeles González-Sinde, que declara el plan urbanístico un “expolio” del patrimonio español. El consistorio y Generalitat “mueven ficha” con un decreto ley y una ley posterior que fueron cautelarmente suspendidas por el Tribunal Constitucional. Pero entre una y otra hay un lapso de tiempo en que el Ayuntamiento, con la colaboración de la Delegación de Gobierno, envía en el mes de abril las excavadoras al barrio y, pese a la resistencia vecinal, logra derribar una decena de casas. Ese momento tan simbólico es el escogido por su director para “hacer un homenaje a los vecinos resistentes, a la fe y a la lucha de un pueblo amante de sus casas y de su estilo de vida”.

El documental, que recoge los momentos más convulsos de este conflicto, de enero a abril del 2010 y financiando a través del “crowdfounding” fue estrenado en el barrio el pasado 30 de octubre y recibió una fuerte ovación por parte de los vecinos presentes.

Sergi Tarín ha querido “hacer visible” la lucha del colectivo “Salvem el Cabanyal” “y denunciar los planes especuladores y degradantes para las personas y sus viviendas de Rita Barberá. De hecho, la prolongación es un proyecto muy personal de la alcaldesa. Una especie de obsesión que la mortifica porque no ha podido doblegar a una asociación vecinal que le ha paralizado en los tribunales su plan emblemático, la firma que quería dejar impresa en la ciudad de Valencia”.

Para Tarín el futuro del barrio pasa por la derrota electoral de Rita Barberá en la próxima cita electoral. En caso contrario, “el barrio continuaría sin la atención y el cuidado que se merece después de tantos años de sufrimiento”. Para este vecino del Cabanyal, después de las elecciones, haría falta “un proceso participativo y abierto a todo el pueblo. Eso es lo más complicado porque los 16 años de asedio han provocado heridas largas y dolorosas”.

“Hay problemas de convivencia-reconoce- El Ayuntamiento ha hecho bien el trabajo de enfrentar al vecindario. Ha propiciado bolsas de pobreza que habrá que resolver. Las familias en riesgo de exclusión social tienen derecho a ser preguntadas por su futuro. Y, sobre todo, a garantizarles un futuro, o mejor dicho, hacérselo posible. Los Servicios Sociales del Cabanyal están paralizados. Se ha utilizado a personas pobres como munición, como carne de cañón.  Se tendrá que contar con ellos en una mesa de diálogo. Ese proceso no puede estar sólo a disposición de partidos políticos y agentes locales movilizados. Hace falta una línea de trabajo lenta, abierta, sin discriminaciones y una gran dosis de generosidad”.

Un documental recomendable como testigo de uno de los movimientos vecinales más longevos  de toda España que osaron plantarle cara al poder y para todos aquellos vecinos de Valencia que han pensado que la mutilación de una parte histórica de la ciudad era un problema exclusivo del Cabanyal y no una amputación para todos.

A veces, es necesario recordar lo obvio.  Lo dijo el director de cine catalán, Carles Bosch, en la gala inaugural del VI Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos de Valencia al recibir el Premi Pau i Justícia concedido por la Fundación Por la Justicia.

Bosch retrató en el documental que abrió el FIC-Valencia, “Septiembres”, algo tan obvio como que los presos son personas y necesitan el amor tanto o más que cualquiera. Y, en buena parte, el Festival valenciano parte de una obviedad similar: que todo ser humano tiene derecho a la libertad, a la dignidad, a la humanidad, a no ser víctima. Pero, algo tan sencillo, debe ser recordado cada día, para que resuene en quienes podemos hacerlos cumplir y en quienes deben saber que les pertenecen.

Para ello, el FIC-Valencia se ha especializado en esta sexta edición en el cine documental con el concurso en la Sección Oficial de 10 documentales de distintas nacionalidades en las que se retratan los ataques a la dignidad de la mujer, a los menores, a los que no tienen nada, a los que viven en países castigados por la miseria, la violencia y hasta en tierras a las que no se reconoce su derecho a existir. Unos documentales que se proyectan la Filmoteca de CulturArts IVAC hasta el próximo 31 de octubre. La programación se puede seguir en la página web del Festival (www.festivalinternacionalcineyderechoshumanos.com) y en la de la Filmoteca valenciana (www.ivac.gva.es).

Fuera de concurso, el FIC-Valencia ha decidido incluir trabajos ya premiados que merecían ser vistos por los espectadores. Uno de ellos es “The Act of Killing” (Joshua Oppenheimer y Christine Cynn), que se podrá ver en la clausura (31 de octubre) y al día siguiente en la Filmoteca de CulturArts IVAC. Este fue uno de los documentales triunfadores en el Documenta Madrid del pasado año y nominado para la categoría de “Mejor Documental” en los Oscars 2014. Este trabajo ganó el Premio del Cine Europeo 2013 al mejor documental, el Premio de “The Asia Pacific Screen Award”y el galardón al Mejor Documental en los premios BAFTA 2014.

Su originalidad radica en que propone, a algunos de los autores de una de las peores matanzas cometidas en Indonesia en los años 60 de Suharto, realizar una grabación sobre su método de actuación. Todos ellos viven en la actualidad libremente y son reconocidos en su país como “héroes”, pero a medida que rememoren y recreen, como actores, algunas de las escenas que protagonizaron irá reflejándose en el espejo una imagen de ellos mismo que nunca hasta ahora se les había ocurrido.

El otro documental recomendado que se proyectará los días 4 y 5 de Noviembre es el camboyano “The missing picture”  de Rithy Panh, elegida Mejor Película dentro de la Sección “Una Cierta Mirada” del Festival de Cannes, nominada en los Oscars como “Mejor Película de Habla No Inglesa” y candidata al “Mejor Documental” dentro de los Premios del Cine Europeo.

La crítica internacional ha destacado su “audaz” manera de abordar las secuelas dramáticas que dejó el régimen comunista de Pol Pot en Camboya. Su director, Rithy Panh, escapó cuando era un adolescente de su país, mientras miles de personas eran despojadas de sus tierras y obligadas a trabajar en campos agrícolas. La dictadura torturó y ejecutó a cualquiera que pudiera parecer sospechoso de sedición. Todos los familiares directos de Rithy Panh fueron desapareciendo uno a uno. Tiempo después, cuando el director empezó a recabar imágenes de este periodo atroz para contar lo que allí había ocurrido, no encontró ninguna fotografía o grabación. Entonces, creó todas esas “imágenes ausentes” usando figuras de plastilina y dioramas. El resultado es una narración bella que se hunde en el horror, sin horripilar al espectador. Un documental que ha conseguido las alabanzas de la prensa internacional.

Música y educación

Pero, más allá del impacto que supone este cine comprometido y atroz, el Festival también se ha propuesto mostrar una nueva manera de defender los DDHH, desde el arte, la creatividad y la alegría.
Para ello, el FIC-Valencia, incluye un festival de Música “Music, Love & Roots, que se celebra en el hall del Instituto Val3nciano de Arte Moderno (IVAM). Algunas actuaciones arrancaron ya en verano, como preludio del evento cinematográfico, y ya en plena semana festivalera, se ha programado la actuación del grupo de música celta nacido en Valencia, “Solana”. Una banda cuyos conciertos son siempre una fiesta como se verá el jueves 30 de octubre (22.00h).

El otro pilar de este festival es la educación, importante concienciar a las nuevas generaciones. Para ello, desde el lunes 27 al viernes 31 de octubre, distintos artistas valencianos, griegos e islandeses dirigirán talleres para más de mil escolares valencianos. La Fundación Por la Justicia, organizadora de este Festival, ha llegado a acuerdos con 15 institutos valencianos para que se impliquen los alumnos.
En esta actividad paralela se proyectarán distintos documentales y luego se trabajará con ellos con distintas actividades artísticas y creativas.

Sección de animación y DDHH

Esta sexta edición, el FIC-Valencia ha creado un Ciclo de Cine de Animación y Derechos Humanos con algunos extraordinarios trabajos procedentes de Japón, Rumanía y España).

También se ha puesto en marcha un concurso de cortometrajes (“Un minuto, un derecho”) sobre los derechos humanos en el que están participando un cuantioso número de jóvenes valencianos.
Presos del establecimiento penitenciario de Picassent, subsede oficial de este Festival, participan en este concurso de cortos. Ellos fueron espectadores de excepción del documental “Septiembres” presentado entre sus muros, justo antes de la inauguración, por Carles Bosch y parte del equipo del Festival.

El valenciano, es uno de los pocos festivales en el mundo que tiene una subsede oficial en una prisión. Precisamente para recordar “lo obvio”: que los presos necesitan del arte, de lo creativo, para recordar la lejana sensación de la libertad.

Sobrecoge la aproximación al Cabo de Gata (Almería). Por carretera, se va dejando atrás un paisaje seco, abrasado por el sol, en el que aparecen de vez en cuando los destellos de invernaderos dónde se toma consciencia del  trabajo infernal que supone sacar frutos a la aridez de esa tierra. Poco a poco las ondulantes montañas se van haciendo próximas, ni rastro de los árboles -como si una hecatombe hubiera acabado con cualquier tipo de vida- y se abre paso la luz y aparece la blancura de algún pueblo que desemboca en el poderoso azul de un mar puro, grandioso. Cuando se puede llegar a creer que se ha llegado al fin del mundo, aparece la inmensidad del Mediterráneo.

Cala de Monsul

El Cabo de Gata es un destino de contrastes: caminos pedregosos que dan a cualquier cala semidesértica, una mar refrescante desde la que se contempla una costa montañosa parda, redondeada a golpe de agua y viento. Tiene este trozo de Almería una fisionomía asombrosa, única.

Afortunadamente este parque natural de la costa andaluza se encuentra bien protegido de la depredación del turismo: los pueblos son pequeños y mantienen sus formas blancas sin que ninguna construcción pueda hacer ostentación de su poder hecho a base de dinero. Como el paisaje, todo parece agazapado al paso del viento, respetando el espacio que por derecho ocupa la naturaleza, atajando, todo lo posible, la tentación que supone la explotación de una zona con tanta belleza natural.

Cala de los Muertos

A pesar de esta declaración de principios, en alguna de las playas principales (Playa de los Genoveses, Playa de los Muertos) hay que pagar el aparcamiento (5-6 euros) para acceder a ellas, aunque predominan las calas recoletas, de libre acceso. Las hay a las que se accede sólo caminando como el caso de la Cala de Enmedio (una hora aproximadamente), otras a las que se llega después de unos veinte minutos en coche por un camino pedregoso sin asfaltar (Cala del Plomo) y también las hay de fácil y gratuito aparcamiento (Playa del Playazo).

Cala San Pedro

Una de las calas más singulares ha sido siempre la Cala San Pedro, por acoger una de las pocas comunidades hippies que quedan en España y ser una playa nudista. En un principio sólo se podía acceder a ella andando desde Las Negras, o en barco, lo que la rodeaba siempre de misterio. Sin embargo, su propia leyenda ha sido su condena y un cómodo servicio de lanchas lleva a los visitantes desde Las Negras a esta playa virgen cada media hora. Un servicio impecable que ha masificado esta pequeña playa salvaje pervirtiendo su espíritu, de manera que sólo algunos de los visitantes hacen nudismo, mientras los habitantes de esta zona virgen van eminentemente vestidos para no quemarse y aprovechan las visitas para vender artesanía y algún producto alimenticio  (pizzas refrigeradas, refrescos, helados) muy valorados en una playa dónde, en teoría, no hay posibilidad de comprar.

El Playazo

Esta costa almeriense da la sensación de estar en una isla, por su sosiego y su longitud, mide unos 33 Kilómetros desde el pueblo más al Norte, Carboneras hasta San Miguel de Cabo de Gata. Por tanto es fácil de recorrer en unos 4 días en coche. Lo encantador es ir descubriendo calas porque cada una tiene su magnetismo y peculiaridad. La mayoría están perfectamente limpias (a pesar de que escasean las papeleras), el agua está fresca y transparente, no suelen haber chiringuitos ni tiendas para comprar (de ahí su encanto) y el ambiente es sosegado y tranquilo, al ritmo que marca el sol y esa tierra desértica.

A pesar de su relativa virginidad-cada vez más en peligro por la avidez del turismo de descubrir “destinos nuevos”- hay algunos chiringuitos y restaurantes muy recomendables (“La Ola” en La isla del Moro), donde se puede degustar buen pescado de la zona mientras se contempla la salida de la luna desde el mar, una experiencia indescriptible o se goza simplemente de ver al mar enrojecerse con los últimos rayos del día. Los pueblos son pequeños y rápidos de recorrer y todos ofrecen unas vistas impresionantes al mar.

Un destino reposado y conectado con la belleza de lo natural, dónde nada más llegar puede dar la sensación de haber llegado al fin del mundo y al partir, se puede llegar a sentir que si llegase el final, el Cabo de Gata, sería un buen lugar para irse en paz.

Las cebras del pequeño zoo de Gaza  “Mara Land” murieron de hambre durante la ofensiva militar israelí del año 2008. El dueño de este zoo, Mohammed Barghouthi calculó que volver a entrar cebras a Gaza a través de los túneles de contrabando que llegaban hasta Egipto le iba costar unos 40.000 dólares por animal. Así que cogió cinta adhesiva y tinte de pelo negro y convirtió a los burros que aún le quedaban en cebras. La gran metáfora de una forma de enfrentar la vida en Gaza.

Esta anécdota de luchar por el amor a vivir en una zona ahogada por el bloqueo y la violencia, es la que le ha servido al periodista valenciano David Segarra Soler para realizar un documental sobre la cotidianidad en esta zona, hoy  y siempre masacrada. Con la música de Shadia Mansour, fragmentos de La Lista de Schlinder de Steven Spielberg e imágenes grabadas en Gaza, Rafah, Belén, Hebrón y el campo de refugiados de Aida, el documental va entresacando una belleza inconmensurable del más terrible dolor. Tal como reza el poema de Mahmoud Darwish: “En la hora del sol en la prisión, una nube refleja un enjambre de criaturas. El aplauso de la gente para aquellos que enfrentan la muerte con una sonrisa. Y el miedo de los tiranos a las canciones. Tenemos en esta tierra lo que hace que la vida valga la pena”.

Las cebras de Gaza por Guarataro

De los tres meses que pasó en Gaza realizando este documental, David Segarra destaca la tolerancia y la hospitalidad de los habitantes de Gaza. Jamás encontró ningún impedimento, en contraste con la retahíla de permisos y controles que cualquier documentalista ha de superar en las más respetadas democracias. Como refleja la imagen de las cebras, la población es capaz de sobreponerse a sus miedos, a la pobreza, a la amenaza constante a fuerza de no alimentar el rencor y sacar fuerzas del apoyo que surge de las propias familias.

Las cebras de Gaza por Guarataro

Hay hambre, dolor, la muerte está muy presente pero también parejas que se enamoran apasionadamente, padres orgullosos de los logros escolares de sus hijos, niños viviendo sus propias aventuras entre las ruinas. Hay una vida que vale la pena ser vivida.

David Segarra,  autor de este documental que lleva una preparación previa de 5 años, conoció la realidad palestina por primera vez en el año 2009. El impacto de lo que allí vivió le llevó a embarcarse en la “Flotilla de la Libertad” que se dirigió a Gaza con el objetivo de romper el bloqueo israelí y que acabó en asalto y una factura imborrable de 10 muertos. Este periodista valenciano vive en la actualidad en Venezuela dónde ha fundado la productora Guarataro Films para poder realizar documentales como este, en que los burros son cebras a los ojos vibrantes de los niños palestinos.

Algunas de las mujeres que se manifestaron en Madrid el pasado 1 de febrero contra la reforma de la ley del aborto, recuerdan haber hecho este mismo trayecto hace 30 años. En el documental “Yo decido. El tren de la Libertad” se recurre en varias ocasiones a ese pasado que, de repente, ha vuelto a aparecerse con un aspecto fantasmal y de manera inesperada. A algunas de las protagonistas les viene a la memoria los momentos de angustia vividos en pretéritos abortos clandestinos, el miedo y el desamparo de aquellos tiempos en que las españolas tenían que irse al extranjero a abortar o poner sus vidas en manos de cualquiera. Era elegir entre la vida y la muerte. Muchas de las que lucharon por legalizar el aborto en su momento, se subieron a un tren para proteger a sus hijas y a sus nietas, para que nadie les obligue a convertir un acto de amor en ley, para que no vuelva a confundirse la libertad con un delito.

Entre las imágenes rescatadas en este documental de la España de finales de los 70 y la actual, se aprecia un aumento notable de hombres en las manifestaciones a favor del aborto libre y gratuito. Sin embargo, el fondo continúa siendo el mismo: el peso de la ley recae inmisericorde sobre la mujer. De esta manera tan contradictoria, se reconoce su responsabilidad individual respecto a la maternidad, al mismo tiempo, que se le niega la posibilidad de decidir sobre ella. Puede ir a la prisión, pero no puede elegir si puede tener un hijo/a.

Fueron un grupo de asturianas- participantes de una Tertulia Feminista “Las Comadres”- las que, ante el conocimiento de la reforma que ideaba el ministro Alberto Ruiz-Gallardón- decidieron viajar  a Madrid para reivindicar el derecho a una maternidad libre y consentida por la mujer. Colectivos de toda España y Europa se fueron añadiendo a la protesta a través de las redes sociales y 15 días antes de la manifestación la realizadora Chus Gutiérrez hizo una llamada a las mujeres cineastas para entre todas documentar este día histórico de protesta.

Icíar Bollaín, Isabel Coixet, Ángeles González Sinde, Gracia Querejeta, Patricia Ferreira y así, hasta 90 profesionales relacionadas con el mundo del cine y el audiovisual sacaron sus equipos a la calle para captar el sentir de tantas mujeres y hombres que acudieron a Madrid a mostrar su indignación ante el proyecto que, tal como aparece reflejado en la película, devuelve a las mujeres a la minoría de edad.

Peca el documental de un especial énfasis en la aportación de las mujeres europeas que se sumaron a la protesta, desde sus países de origen o trasladándose hasta la capital madrileña para participar activamente en la protesta. Sin restar mérito a la solidaridad venida de fuera, la decisión, la minusvaloración y las afectadas directamente por las nuevas restricciones que quiere instaurar el gobierno recaen evidentemente sobre las mujeres españolas y por ello merecían una presencia más rotunda.

Hay, sin embargo, un gran logro de este complicado trabajo colectivo y es que ha sabido captar y catapultar la sensación de alegría, de fuerza femenina y la dignidad que desde Atocha se infiltró en las venas de la capital madrileña aquel día de protesta masiva. Hubo cánticos, bailes, emociones, mujeres embarazadas, madres, abuelas, hijos que, con pancartas que decían “NO”, reivindicaban el derecho de decidir cuándo es el momento oportuno para asumir la infinita responsabilidad de ser madre.

No tiene fines lucrativos este documental que trata de poner a la mujer en el centro de la decisión. Hace 30 años se luchaba por cambiar la ley, ahora se trata de que la ley no cambie, que ninguna mujer tenga que pasarse a la clandestinidad para reclamar su derecho a la vida.

El periodista andaluz Lorenzo Benítez dirige “Madres invisibles” un documental sobre las madres solteras marroquíes.

La soledad recae como una losa inmisericorde sobre toda aquella mujer soltera que en Marruecos cometa el pecado de quedarse embarazada. Su familia la considerará una puta, una vergüenza, una mala musulmana y la ley, una delincuente (tener relaciones sexuales fuera del matrimonio está tipificado como delito en el artículo 490 del Código Penal).

En Marruecos, se calcula que cada año 30.000 mujeres se enfrentan a este juicio colectivo. La mayoría, aterradas, intentan abortar. La interrupción del embarazo en Marruecos sólo es legal cuando la integridad de la madre corre peligro (un 5% de los casos), nada dice de los casos de violación, incesto, malformación del feto o de las circunstancias económicas dramáticas que puedan existir. Esto provoca que el aborto clandestino sea demasiado caro (entre 134 y 897 euros) y suponga la amenaza de hasta dos años de prisión para la madre y penas de cárcel así mismo para quien los realice. Las circunstancias en las que se llevan a cabo estos abortos son penosas y un 13% de ellas muere durante o después de esta intervención.

Las que no consiguen abortar o deciden defender su embarazo, empiezan una fragilísima vida de huida cargando con la repudia y humillación de su propia familia, la primera de una larga lista de desprecios.

El día de parto, la soledad es ya abismal. Muchas acuden al hospital temerosas: en muchos casos reciben un trato vejatorio. En cualquier momento puede presentarse la policía. Aunque nunca se haya llegado a ejecutar, legalmente esas madres pueden ser condenadas a penas de entre un mes y un año de prisión por no tener esposo.

Cuando salen del hospital con su hijo/a en brazos no tienen dónde ir, ni muchas posibilidades de que alguien les dé trabajo con lo que se ven abocadas a una vida miserable o a la prostitución. Cada día se abandonan 24 niños en las calles de todo Marruecos.

Nadie se molesta en buscar al padre. El hombre está libre de culpa. Ni ha de dar a esa criatura sus apellidos, ni pasarle ninguna pensión. Según el Código Familia Marroquí (Mudawana), ese hijo/a será inscrito como “bastardo/a”. Para que la madre le pueda poner sus apellidos deberá conseguir la autorización de su padre o de un hermano. Harto complicado.

Todas ellas están convencidas de que nadie se enamorará de ellas jamás. La mayoría de estas madres sueña con encontrar a un hombre con un amor tan grande que sea capaz de aceptar a ese hijo/a como suyo. Algunas incluso fantasean con la posibilidad de ocultar, entre los dos, la verdad a esa criatura. Asumen que el precio que han de pagar por amar a sus hijos es el de no ser ya amadas.

Pero este es un documental de mujeres valientes y también de hombres excelentes, que nutren mayoritariamente las filas de “100% Mamans”. Una asociación de Tánger que lleva muchos años ayudando a las madres solteras de ese país y que colabora en este proyecto de documental. Entre sus filas está, por ejemplo, el director de un centro sanitario de dicha ciudad que ha elaborado un protocolo para que estas madres reciban el mismo trato que el resto de parturientas. Como él, muchos otros marroquíes andan luchando porque se deje de juzgar a esas mujeres y puedan llevar una vida digna.

Estas son las historias que se pretenden contar en “Madres Invisibles”, un documental dirigido por el periodista gaditano, Lorenzo Benítez  que empezará a rodarse este verano. Actualmente están recogiendo fondos a través

Las protagonistas de ‘Madres invisibles’

de una campaña de micromecenazgo que aspira a cubrir los 13.000 euros que hacen falta para empezar a rodar este fragmento de vida (http://www.madresinvisibles.org/index.html).

Además este documental es un proyecto transmedia que combinará el rodaje en alta definición para las tramas principales con la incorporación de otras expresiones visuales como la ilustración para dar voz a todas aquellas madres que no se atreven a mostrar su verdadero rostro. Así mismo está abierto a la participación y colaboración de cualquier persona que quiera involucrarse. El resultado se podrá ver por televisión, ordenador, tabletas, smartphones, libro electrónico y hasta papel.

Antes ya de iniciar el rodaje han conseguido un logro: ser  seleccionados para el panel final de coproducciones y expertos internacionales de MIPDOC del Festival de Cannes.

El equipo de “Madres invisibles” lo integran, además de su director, Óscar Clemente (edición de vídeo y guionista), Helena Madico (documentalista y asesora de género), Mari Luz Domíngez (edición y operadora de cámara) y el músico Suhail Serghini.

Todos ellos tratarán de mostrar la realidad de la madre soltera marroquí, una historia universal, que en cualquier país, en todo momento histórico ha visto cómo las mujeres que reivindicaban su derecho y placer sexual se han visto perseguidas, juzgadas y machacadas cuando se han convertido en madres, sólo madres, madres solas. Poseedoras de la hermosa fuerza que despiertan los hijos.

“Wonder Woman” irrumpió en el mundo del cómic en diciembre de 1941 en la revista All  Star Comics.  Creada por William Moulton Marston para DC Comics, factoría de Superman y Batman, está considerada como la primera gran súper heroína feminista.

El Día de la Mujer Trabajadora ha sido la fecha elegida para el estreno en Londres de un documental que analiza  la proyección de la imagen de la mujer a través de la propia evolución del personaje a lo largo de la historia y su mutación de heroína de papel a protagonista de una popular serie televisiva.

Su directora, Kristy Guevara-Flanagan, contextualiza el nacimiento de “La Mujer Maravilla” en la Segunda Guerra Mundial, momento en que las mujeres pasaron a ocupar el trabajo de los hombres en fábricas y almacenes mientras ellos combatían en el frente. Una coyuntura que hizo posible identificarse a muchas de ellas con la fuerza solitaria de esta súper heroína.

Con el fin del conflicto, los maridos regresaron al hogar y a sus puestos de trabajo y la mayoría de las mujeres volvieron a  sus tareas domésticas. Son los años 50 y 60 en que “Wonder Woman” empieza a desarrollar su faceta más romántica. El personaje se ajusta sutilmente a la moral social de esos tiempos.

El documental, “Wonder Women, The untold story of American superheroines” trata de analizar la influencia de este personaje en la visión de la mujer en estas últimas siete décadas en que este personaje pasó del cómic a protagonizar una popular serie de televisión de 1975 a 1979 encarnada por la actriz Linda Carter.

La economía femenina

Una de las reivindicaciones que hay detrás de este documental es precisamente una demanda laboral: la realización de una película con todos los medios hollywoodienses para esta protagonista femenina de la misma

Lynda Carter, la actriz que encarnó el personaje para televisión

manera que la han tenido otros compañeros suyos de profesión y compañía, como Batman y Superman.

Una diferenciación que parece nimia pero que refleja la poca confianza en que al público le pueda interesar ver a una súper heroína en acción. Una señal más de que hay determinadas facetas laborales en que la mujer sigue siendo una extraña.

Hablar del trabajo de la mujer en unos momentos en que éste se ha convertido en un objeto de lujo, en que se extiende el trabajo indigno por excesivo y mal pagado, en que los recortes convierten a los enfermos, a los dependientes y hasta a los hijos en cargas, en que a la mujer se le arrebata el derecho de decidir sabiamente y de corazón cuándo puede ser la madre que le gustaría ser resulta así mismo extraño.

Cuando parece haber una mano invisible que empuja a hombres y a mujeres hacia una vida cada vez más indigna, surgen las primeras voces que empiezan a hablar de una “economía femenina”. Una economía en que no habría que reivindicar que una súper heroína tuviera los mismos derechos laborales que un súper héroe, porque habría otra manera radicalmente diferente de “hacer el bien e impartir justicia”.

Si se contabilizara el tiempo dedicado a los cuidados del resto de la familia, éste representaría un 54% del PIB español

Según sus defensores, en esta nueva economía no estaría valorado ni la acumulación de bienes innecesarios, ni la competencia salvaje, ni el trabajo despiadado. La organización del trabajo sería sustituida por una manera más solidaria de repartir los recursos, por la valoración y disfrute del tiempo libre, por la interdependencia, la sostenibilidad, por el cuidado de los otros, por lo que las feministas latinoamericanas han llamado “el buen vivir”. En España, esta teoría de “la Economía Femenina” está abalada por economistas  como Amaia Pérez Orozco, quien defiende que el eje de todo planteamiento económico y laboral debería girar en torno a una “vida que merezca la pena ser vivida”; o como la investigadora del Centro Superior de Investigaciones Científicas, María Ángeles Durán, quien ha contabilizado que el tiempo dedicado a los cuidados, si estuviera contabilizado, representaría un 54% del PIB español.

Y es precisamente ese “cuidado de la vida” lo que mejor representaría este sentido de lo femenino. Un mimo que ni está en todas las mujeres, ni es inaccesible para los hombres. Una cualidad que es de todos. Esta feminización del mundo laboral sería el mejor antídoto contra una economía que nos ha hecho olvidar el legado de todas aquellas maravillosas mujeres que supieron cultivar el apego a la vida.

WONDER WOMEN! The Untold Story of American Superheroines from Vaquera Films on Vimeo.

Son la antesala del sexo. Las que abren o cierran compuertas. Las que restringen o las que entregan. Las braguitas acarician continuamente el sexo de la mujer. Por una cara, lo sostienen suavemente. Por la otra, lo protegen de cualquier otro tacto exterior. En torno a su poética y sexualidad ha elucubrado la artista Isa Kaos en una exposición colectiva junto con otras dos artistas, Cécile Hug y Clara Courdavault. El trabajo se puede ver hasta el 28 de febrero en la galería Ici Montreuil, a pocos kilómetros de París. Se presenta bajo el título “(Re) Belles” (Re Bellas), por ese juego al que han entrado las tres autoras al asomarse a su propio sexo para descubrir su belleza.

Lo llamativo de Isa Kaos es su manera de adentrarse en el epicentro de esa sexualidad a través de las bragas, como piezas que tienen el poder separador o de atracción hacia el abismal interior femenino. Las prendas, todas diseñadas por ella y artesanales, se presentan como máscaras transmisoras de sugerentes mensajes. Hay braguitas “rejuvenecedoras” que representan un pubis joven e imberbe. Las hay custodiadas por fieros animales dispuestos a defender la entrada o a aullar por una pasión salvaje. También las hay incuantificables por la cantidad de billetes verdaderos que llevan a su cintura o misteriosas, al flanquear la entrada con un manojo de llaves de las que sólo una tiene la silueta exacta para abrir las puertas del placer.

La intención de la exposición es reflexionar sobre la belleza del sexo femenino. La muestra también tiene un claro cariz provocativo al empujar a contemplar la voluptuosidad femenina y a detener la mirada en la vulva. Una manera de envalentonar a otras mujeres a reconocer su valor e identidad y a los espectadores, a perder el miedo a mirar.

Galerie Ici Montreuil

Del 14 Febrero de 2014 al 28 Febrero de 2014
135 Boulevard Chanzy, Montreuil
Metro de París, línea 9 – Robespierre

Horario: martes a viernes de 12 a 18, sábados de 14 a 19

“Provocar la risa es una acto santo. Quiero santificar la comicidad” afirma Leo Bassi en la presentación de su religión: la iglesia Patólica. Ataviado de pontífice-bufón, con un patito de goma presidiendo la mitra, Bassi encabezó una procesión por el barrio de Lavapiés (Madrid) antes de la explicación fundacional de su iglesia que, de momento, es una asociación cultural, Consulado General del Paticano, con aspiraciones a elevar una solicitud formal al Ministerio del Interior.

Como todo en Bassi, esta religión está basada en la provocación, pero una provocación meditada. De hecho, cuenta el cómico italiano nacido en New York (1952), que llevaba muchos con la idea religiosa dándole vueltas en la cabeza, hasta que ha encontrado el momento y el lugar para edificar un pequeño santuario con altar, confesionarios y aulas para enseñar a los niños el laicismo.

Leo Bassi asegura que, como la Iglesia Católica, le hubiera gustado recurrir a los grandes artistas del momento para edificar una gloriosa catedral y obras de arte explicativas de su mensaje, pero “al no contar con sus exenciones fiscales”, ha tenido que recurrir a la solidaridad de los artistas del barrio de Lavapiés que gratuitamente han ido ofrendando sus piezas, amén del mobiliario recogido en diferentes contenedores del barrio y que ha sido benditamente reciclado: “Mi Dios va a nacer de la basura”, clama con orgullo.

El Patoliquismo está basado en la duda y la risa. Su objetivo: divertirse. Su dios: un patito de goma amarillo. Un símbolo delirante ante el cual resultaría ridículo arrodillarse. Y esto no es una casualidad, ya que la idolatría está proscrita en la religión bassiniana. “Es una divinidad que crea duda ¿qué es Dios?”, pregunta Bassi mientras juega con unos cuantos patitos de juguete que flotan divertidos en una pila bautismal del santuario.

Entre las primeras ceremonias que hay previstas en el calendario Patólico figura una boda de una mujer con su perra, ya que en el patolicismo están permitidos los matrimonios gays, grupales y zoofílicos “siempre que no haya coacciones”.

Esta última creación del bufón italiano supone un paso más en el enfrentamiento abierto que mantiene con los sectores más radicales de la iglesia católica. Agravado desde la colocación de un artefacto explosivo casero en el teatro Alfil (Madrid) cuando representaba “La Revelación”, en el año 2006.

A los que le critican su falta de valor para burlarse de otras religiones como la musulmana y su tradicional ensañamiento con la católica, Bassi alega que su educación siempre fue dentro de la cultura católica y que burlarse de otras religiones como la musulmana sería atacar un mundo que le es desconocido.

Sea como sea, Leo Bassi ha conseguido, una vez más, ir más allá de los límites del humor adentrándose en terrenos poco corroídos por la risa. Y seguro que en este desafío ha logrado arrancar a alguien una sonrisa que, en estos momentos de humor sombrío, muchos considerarían una bendita sonrisa.

Érase una vez, una isla llamada Sandy. Algunas cartas náuticas y los más modernos mapas (Google Hearth y Google Maps) la situaban en el Pacífico Sur, entre Australia y Nueva Caledonia.

Un buen día, los aguerridos marineros del barco científico RV Southern Surveyor-del servicio hidrográfico australiano- estaban de expedición en el mar del Coral supuestamente estudiando la tectónica de placas. Después de 25 días de singladura el capitán decidió acercarse a la pequeña Sandy Island, ya que su rumbo pasaba cerca de ella. Pero, incomprensiblemente, situados sobre el punto marcado, no hallaron nada. El océano seguía su curso. Comprobaron, entonces, que la carta náutica marcaba imperturbable una profundidad de 1.400 metros.

No había duda: o Sandy Island había desaparecido o quizá nunca había existido. Explicaciones a este misterio las hay y muy diversas: puede que algún cartógrafo se la “inventara” como trampa para detectar futuras copias de su trabajo. Puede que alguien cometiera un error y una cadena de “copiadores” poco rigurosos contribuyeran a dar veracidad a la existencia de esta isla, que hasta aparece dibujada con forma alargada en los mapas.

Buscando el origen de esta formación geográfica hay que remontarse al año 1792, cuando el caballero D’Estrecasteaux parece que se refiere a ella cuando describe su expedición a La Pérouse. Con posterioridad, el Times Atlas Of The World, sitúa una isla en ese mismo punto a la que llama “Ile de Sable”. Parece que, a partir del año 2000, se da por probada su existencia y aparece representada con detalle en diferentes mapas y publicaciones científicas.

Lo cierto es que esta pequeña isla ha puesto en evidencia los más sofisticados sistemas de conocimiento de la geografía y ha supuesto un empujón hacia la desmitificación de verdades que damos como ciertas sólo porque lo dicen determinados colosos mundiales. En esta era virtual la observación, el tacto y la experiencia continúan siendo el mejor camino para conocer a la realidad.